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Producción audiovisual: aspectos básicos para comenzar tu proyecto con éxito

Si quieres conocer los conceptos básicos de la producción audiovisual de forma práctica y sencilla, sigue leyendo, porque en este articulo descubrirás los aspectos técnicos y creativos clave para comenzar tu proyecto con éxito. Además, haremos algunas sugerencias sobre el material más adecuado.

¿Preparado? ¡Vamos! 🚀

Qué es la producción audiovisual

La producción audiovisual es la fase de rodaje. Posterior a la etapa de preproducción y previa a la de postproducción, es donde se pone a prueba si los pilares del proyecto son sólidos y se ha dedicado tiempo suficiente a planificar. Engloba desde el primer día de filmación hasta que se tiene el ultimo plano grabado.

🧐 Sabemos que organizar una producción audiovisual puede ser un proceso desalentador. Por eso hemos creado Filmmaker 360: 7 plantillas que te facilitan la planificación completa de tu proyecto paso a paso. ¡Échale un vistazo!

Qué cámara utilizar

En la actualidad existen cámaras que ofrecen calidad de cine a precios muy económicos. A continuación, tienes una lista con tres cámaras de cine baratas con las que puedes realizar una producción cinematográfica de bajo presupuesto.

  • Canon EOS 250D: el modelo ideal si tu presupuesto es muy limitado y quieres buenas prestaciones. Se trata de una réflex digital compacta, preparada para 4K, capaz de filmar en condiciones de poca luz y con estabilizador de imagen integrado.
  • Panasonic GH5: aunque salió a la venta en 2017, en la actualidad sigue al pie del cañón, lo que es un claro indicativo de la gran cantidad de características que Panasonic incluyó en esta cámara sin espejo. Tiene estabilización integrada y modo anamórfico.
  • Blackmagic Pocket 4K: diseñada para cineastas, la relación calidad-precio que ofrece esta cámara no tiene rival. Graba en formato RAW, tiene un rango dinámico de 13 pasos, puede filmar a altas velocidades y se comporta genial con poca luz.

El tema de los objetivos requeriría un artículo completo, pero si existe una marca que fabrica objetivos de cine baratos, esa es Samyang. Su línea VDSLR especialmente diseñada para vídeo, es de las mejores opciones si quieres objetivos fijos, versátiles y de excelente calidad.

Composición cinematográfica

La composición en su forma más básica hace referencia a cómo aparecen en el encuadre los diferentes elementos de la escena. Como director, debes utilizar la composición para dirigir la atención del espectador hacia donde te interese.

Desde un punto de vista más complejo, la composición también tiene en cuenta el color, la luz y las sombras, con una dificultad añadida respecto a la fotografía fija: el movimiento, ya que cuando el movimiento de los actores o la cámara evoluciona, la composición debe hacerlo también.

La forma en que hagas la composición tiene que estar alineada con el mensaje que quieras trasmitir con cada plano, y en un sentido más amplio dejar reflejada la intención de la escena.

🧐 Debido a la complejidad del tema, está más allá de las posibilidades de este articulo analizar en detalle cada aspecto de la composición, aunque sí nos gustaría explicar la Regla de los tercios.

Regla de los tercios

Esta regla es la base de las técnicas de composición. Sus principios son fáciles de entender y poner en práctica por cualquiera: primero divide el cuadro en tres secciones verticales y tres horizontales, después posiciona el motivo de forma aproximada en cualquiera de los puntos de intersección o a lo largo de las líneas verticales u horizontales.

Esta sencilla regla te permite componer imágenes asimétricas mucho más cercanas a la naturaleza y por tanto más familiares y agradables al ojo humano.

Reglas de continuidad cinematográfica

Estas reglas te permiten asegurarte de que cada plano que ruedes tenga una correlación visual con el siguiente y evitar así problemas de continuidad en el montaje.

No cometas el error de pensar que son reglas rígidas, más bien tómalas como principios que debes conocer en profundidad. Una vez los entiendas, rómpelos si lo consideras necesario y de esta forma mejoras el significado de lo que quieres trasmitir.

1. Regla de los 180 grados

Sirve para mantener la continuidad espacial. Cumplir esta regla es sencillo: traza una línea imaginaria en el set de rodaje y ubica la cámara a uno de los lados de esa línea.

Por ejemplo, para grabar una conversación entre dos actores filma el plano y a continuación el contraplano, ambos desde el mismo lado. Si saltas la línea se romperá la relación izquierda-derecha entre los dos personajes y puede afectar a la continuidad en el montaje confundiendo al espectador.

De igual forma, si en un plano el actor sale del cuadro por la derecha, en el siguiente debe entrar por la izquierda. De no ser así, en el segundo plano el actor parecerá estar caminando en la dirección contraria y también se romperá la continuidad espacial.

A menudo muchos directores rompen esta regla, siempre con un propósito narrativo.

2. Correspondencia de miradas

Igual que la regla anterior, sirve para mantener la continuidad espacial. Las líneas de visión de los actores tienen que coincidir entre sí para que la continuidad funcione en la sala de montaje.

Por ejemplo, en un primer plano de un personaje que esta delante de una casa hablando con otro que se encuentra en un balcón, su mirada tendrá que dirigirse a la parte superior del cuadro, mientras que en el plano que aparece el segundo personaje su mirada deberá dirigirse a la parte inferior.

3. Regla de los 30 grados

Si estas filmando un motivo y quieres cambiar de tipo de plano, hazlo con una perspectiva ligeramente diferente a la primera, de lo contrario la imagen dará un salto perceptible.

Para ello mueve la cámara alrededor del motivo entre 25 y 30 grados, de esta manera en la sala de edición la continuidad funcionará mejor.

4. Continuidad en la escena

Si lo que aparece en un plano no se corresponde con lo que está en el siguiente, también corres el riesgo de romper la continuidad y sacar de la trama al espectador.

Por ejemplo, si en un plano general un personaje sujeta un refresco en la mano derecha, en el siguiente plano no puede aparecer sin él. Esto es igual de importante para la expresividad corporal, los gestos y el tono de voz.

La distribución de los objetos en el set de rodaje, el maquillaje y la indumentaria de los actores también tienen que tener una continuidad.

Evitar estos fallos puede parecerte algo obvio, pero si estas rodando partes de una misma escena en diferentes momentos es fácil que los pases por alto.

Puedes evitarlos revisando las tomas anteriores y haciendo fotografías de continuidad a todo el set y a las indumentarias de los personajes antes de empezar a rodar cada escena.

La iluminación

La iluminación es uno de los aspectos clave que debes tener en cuenta si quieres alcanzar una estética cinematográfica en tu producción audiovisual.

Aunque dominar la iluminación en profundidad requiere experiencia, los principios básicos son fáciles de entender y poner en práctica por cualquiera.

A continuación, explicamos la configuración de iluminación más utilizada en cine y fotografía, el modelo de los tres puntos de luz, que consiste en utilizar tres focos en diferentes posiciones para iluminar la escena.

Esquema de iluminación de tres puntos

  • Luz principal: proporciona la mayor parte de la luz en el set. Su ángulo respecto al sujeto, altura y tamaño determinarán la atmosfera de la escena. Se suele colocar frente al motivo en torno a 45 grados a la derecha o izquierda.
  • Luz de relleno: utilizada para reducir las sombras generadas por la luz principal, se coloca a 45 grados del motivo en el lado opuesto al de la luz principal con una intensidad más baja. También se puede utilizar un reflector en lugar de una luz de relleno.
  • Luz de contra: aporta profundidad resaltando los bordes del motivo y destacándolo del fondo, de esta manera la figura no se ve plana. Se coloca detrás del sujeto a una mayor altura que éste. Su intensidad también es menor que la de la luz principal.

Adicionalmente puedes añadir un cuarto punto de luz para iluminar el fondo, o utilizar luces naturales de la ubicación (o que pongas tú) que te ayuden a construir la atmosfera adecuada.

Ten en cuenta que, aunque puedes conseguir una iluminación perfecta para la primera toma, servirá de poco si los focos están en el encuadre cuando vayas a filmar la siguiente, ya que te veras obligado a moverlos, rompiendo así la continuidad en la iluminación.

Para evitar esto, debes conocer con antelación todas las posiciones de cámara e iluminar la escena teniendo en cuenta la regla de los 180 grados: aunque es probable que tengas que hacer ajustes, las luces que estén al otro lado de la línea no saldrán en la toma.

Cómo elegir un equipo de iluminación

Aunque no dispongas de un gran presupuesto y ello signifique limitaciones en tu equipo, no deberías hacer recortes en iluminación si buscas un aspecto cinematográfico. Estos son los tres aspectos clave que debes conocer antes de comprar un kit de iluminación.

  • Índice de Reproducción Cromática: también conocido como “IRC”, indica la capacidad que tiene una fuente de luz para mostrar fielmente los colores de un objeto en comparación a una fuente de luz natural. El rango de este valor va de 0 a 100.

🧐 Cuando vayas a comprar un kit de iluminación asegúrate de que su IRC es alto, mayor de 90, lo que te permitirá iluminar el set y captar los colores con fidelidad.

  • Temperatura de color: indica las distintas tonalidades que puede tener una fuente de luz. Se mide en grados Kelvin (K) y el rango de este valor puede ir desde 1.000K (luz muy cálida/amarilla) a 10.000 (luz muy fría/azul). Cuanto más elevado es el número de grados Kelvin más fría es la luz y cuanto más bajo más cálida.
  • Tipo de iluminación: durante décadas la iluminación de tungsteno ha sido el principal referente en los sets de rodaje, pero la llegada de la tecnología LED está haciendo que esto cambie.

Es cierto que las luces de tungsteno son más baratas y tienen un gran IRC, pero se calientan mucho, requieren mucha energía y para variar la temperatura de color (son cálidas) necesitas utilizar filtros; sin duda una serie de inconvenientes que las hacen menos atractivas para los realizadores modernos.

Los LED tienen una vida útil extremadamente larga, apenas se calientan, permiten una mayor portabilidad y puedes utilizarlos con baterías por su bajo consumo y alta eficiencia, además puedes variar su temperatura de color sin emplear filtros.

El sonido directo

Aunque la iluminación es un punto clave, la realidad es que la calidad del sonido que grabes lo es aún más. Y es que los espectadores pasaran por alto una iluminación pobre, pero jamás unos diálogos o un sonido de mala calidad.

Muchos realizadores son conscientes de la importancia de esto, pero sigue siendo habitual ver en muchas producciones (o mejor dicho escuchar) un sonido pobre y mal grabado. En ocasiones hasta en producciones con grandes presupuestos.

Por eso en un rodaje tu máxima prioridad en el aspecto sonoro deben ser los diálogos. Los efectos de sonido los puedes recrear fácilmente en postproducción con la ayuda del diseñador de sonido o mediante una buena librería de efectos, pero si grabas mal los diálogos tendrás un ENORME problema más adelante.

La importancia del micrófono

Para grabar los diálogos de forma correcta no es suficiente con el micrófono integrado de la cámara. El principal motivo de éstos es que están lejos de los actores y además captan otros sonidos. El resultado son pistas de audio ruidosas y con muchos ecos.

Necesitas un micrófono direccional o micrófono de cañón que te permita captar el sonido de forma limpia y precisa.

Este tipo de micrófonos se pueden dividir en tres categorías según su patrón polar: cardioide, supercardioide e hipercardioide. Cuanto más direccional, más selectivo a la hora de captar el sonido.

Cómo grabar el sonido directo en una producción audiovisual

Conseguir unos diálogos limpios y de alta calidad con el micrófono correcto es más sencillo de lo que imaginas, una de las claves es que el técnico de sonido sujete la pértiga con el micrófono por encima del actor, apuntándolo hacia abajo lo más cerca posible sin entrar en el encuadre. Se trata de una técnica sencilla pero muy efectiva. La segunda mejor opción es igual, pero desde abajo.

Qué equipo de sonido utilizar

Para grabar diálogos de forma aislada y limpia necesitas cuatro cosas esenciales: un micrófono de cañón, una pértiga, unos auriculares cerrados y una grabadora de sonido. Puede parecer mucho material, pero merece la pena la inversión. Al fin y al cabo, el sonido es el 50% de una obra audiovisual.

  • Micrófono: el modelo Deity S-Mic 2S es nuestra primera recomendación si quieres un supercardioide con excelente relación calidad-precio. Su diseño se ha basado en la experiencia y sugerencias de profesionales del sonido.
  • Grabadora: la Tascam DR-40X es ideal para producciones de bajo presupuesto y tiene dos entradas XLR para conectar dos micrófonos. Se trata de una de las grabadoras más vendidas.
  • Auriculares: los Sony MDR-7506 son de las opciones más completas si buscas unos auriculares cerrados para grabar sonido directo en el set de rodaje. Además, son cómodos y ligeros, algo imprescindible si vas a utilizarlos durante horas.
  • Pértiga: una pértiga económica pero robusta de la marca Neewer, fabricada en aluminio, con cable XLR incorporado y mango acolchado. Su longitud es ajustable y tiene una extensión total de más de 3 metros.

Claves para lograr un aspecto cinematográfico

El aspecto cinematográfico se logra mediante una combinación de varios elementos técnicos y artísticos a los cuales de forma inconsciente nos hemos acostumbrado con el paso del tiempo.

Elige la relación de aspecto adecuada

La relación de aspecto describe la relación proporcional entre el ancho de una imagen y su altura. Existen una gran variedad de relaciones de aspecto y la elección de uno u otro es algo que influye en el resultado final. Si buscas lograr un estilo cinematográfico, la relación 2.35.1 es un buen punto de partida.

Por ejemplo, en la película de Interstellar (2013) la relación de aspecto cambia en numerosas ocasiones del clásico aspecto cinemascope 2.35:1 a un impresionante IMAX 1.43:1 para mostrar el dramatismo de algunas escenas.

Utiliza una cámara con amplio rango dinámico

El rango dinámico es la capacidad de una cámara de captar detalles en las partes más luminosas y más oscuras de una misma imagen. Cuanto más rango dinámico más suaves serán las transiciones de tonos.

Por ejemplo, si estas filmando un plano en interior (oscuro) con una cámara que tiene un alto rango dinámico y hay una ventana por la que se puede ver un paisaje (luminoso), podrás ver con claridad los detalles del interior de la habitación, pero también del paisaje, ya que éste no saldrá sobreexpuesto (blanco)

Graba en formato RAW

RAW es un formato de archivo que contiene todos los datos de la imagen tal y como son capturados por el sensor de la cámara. Este formato te permite registrar imágenes de mucha más calidad y tener libertad en postproducción para jugar con los colores, la exposición, el contraste y otros parámetros sin una reducción significativa de calidad.

Utiliza la profundidad de campo

La profundidad de campo es el término utilizado para describir el tamaño del área en la imagen donde los objetos se ven aceptablemente nítidos. Con una gran profundidad de campo, tendrás un plano donde todo enfocado con nitidez, por el contrario, con una profundidad de campo reducida tendrás enfocada solo una parte de lo que aparece en la imagen.

Si empleas adecuadamente la profundidad de campo sin enfocar toda la escena por igual, estarás más cerca del estilo cinematográfico.

Filma a 24 fps

El cine se filma a 24 fotogramas por segundo. Si quieres que tu obra tenga un aspecto cinematográfico graba a 24 fps y no emplees en exceso altas velocidades (cámara lenta) a no ser que haya un motivo justificado.

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